Poesía Vanguardista: La Revolución de la Palabra

La primera mitad del siglo XX fue un crisol de cambios, un tiempo de convulsiones que no solo reconfiguraron el mapa político y social, sino que también sacudieron los cimientos del arte. En este escenario efervescente, la poesía, ese bastión de la expresión humana, no podía permanecer inmutable. Los poetas vanguardistas irrumpieron con la fuerza de un huracán, decididos a demoler las reglas de composición poética tradicional y a construir, sobre sus ruinas, un nuevo lenguaje, una nueva forma de ver y nombrar el mundo. Esta revolución no fue solo estética; fue una declaración de principios, un desafío a la lógica establecida y una búsqueda incesante de nuevas posibilidades expresivas que, en esencia, redefinieron la propia naturaleza de la metáfora y el simbolismo en la literatura.

Gracias a este espíritu rupturista y modernizador, la poesía se liberó de sus ataduras, ampliando sus horizontes de una manera que nunca antes se había imaginado. El verso libre, la prosa poética, los ritmos sonoros inusuales, la experimentación semántica y tipográfica, y la audaz asociación de la palabra escrita con la imagen plástica, se convirtieron en las herramientas de una generación que no quería describir la realidad, sino crearla. Estos poetas, verdaderos arquitectos del lenguaje, no solo jugaron con las palabras, sino que las transformaron en vehículos para concepciones y asociaciones inéditas, forjando así nuevas metáforas de la existencia, del caos y de la belleza.

¿Qué Es la Poesía Vanguardista? Un Grito de Ruptura y Renovación

El vanguardismo, cuyo nombre evoca la primera línea de combate de un ejército, fue mucho más que un conjunto de estilos artísticos; fue una actitud. Surgió en Europa a principios del siglo XX, en un contexto de profundas crisis globales, como la Primera Guerra Mundial, que desnudó la fragilidad de los valores tradicionales y la fe ciega en el progreso. Ante este panorama de desilusión y transformación, los artistas sintieron la urgencia de confrontar el orden establecido, de romper con los cánones académicos que consideraban obsoletos y de proponer una nueva manera de entender el arte y, por extensión, la vida misma.

En la poesía, esta actitud se tradujo en una búsqueda radical de la novedad. Los poetas vanguardistas rechazaron la rima y la métrica tradicionales, la sintaxis lógica y la narrativa lineal. Se atrevieron a explorar el inconsciente, el absurdo, la velocidad de la vida moderna y la crudeza de la existencia. Su objetivo no era solo innovar, sino provocar, conmover y, sobre todo, liberar la palabra de su función meramente descriptiva para dotarla de un poder creador autónomo. En este proceso, la metáfora dejó de ser un simple adorno retórico para convertirse en el motor de la construcción de nuevas realidades, un puente entre lo conocido y lo inimaginable, una chispa que encendía la imaginación del lector de formas inesperadas.

Las Herramientas del Vanguardismo Poético: Forjando Nuevas Realidades

La poesía de vanguardia se caracterizó por una serie de innovaciones formales y conceptuales que marcaron un antes y un después en la literatura:

• El Verso Libre y la Prosa Poética: La liberación del corsé métrico y rítmico permitió una expresión más espontánea y auténtica, reflejando el flujo de la conciencia y la fragmentación de la realidad.
• Experimentación Semántica y Tipográfica: Las palabras dejaron de seguir una lógica convencional. Se buscaban asociaciones inusuales, disonancias y yuxtaposiciones que crearan nuevos significados. La disposición visual del texto en la página (tipografía) se convirtió en una parte integral del poema, añadiendo una dimensión visual y, a menudo, una metáfora visual.
• Asociación de la Palabra con la Imagen Plástica: Los famosos caligramas de Apollinaire son el ejemplo más claro de cómo la poesía abrazó lo visual, creando un puente entre la literatura y las artes plásticas. El poema no solo se lee, se ve, y su forma se convierte en una metáfora de su contenido.
• Nuevos Ritmos Sonoros y Ruptura de la Sintaxis: La musicalidad se buscó más allá de la rima, a través de la repetición de sonidos, la aliteración o la simple sonoridad de fonemas sin significado aparente. La ruptura de la sintaxis tradicional reflejaba el deseo de dinamismo y de romper con las estructuras lógicas.

Poemas Vanguardistas Icónicos y Su Legado: Un Viaje por la Innovación

Exploremos ahora algunos de los poemas más emblemáticos que encapsulan el espíritu de la vanguardia, mostrando cómo cada uno, a su manera, desafió lo establecido y amplió las posibilidades expresivas de la poesía, a menudo a través de audaces construcciones metafóricas.

Guillaume Apollinaire: El Pionero de las Nuevas Formas y el Caligrama

Guillaume Apollinaire es una figura clave en la transición del siglo XIX al XX. Su poesía es un claro ejemplo de ruptura con la tradición, un laboratorio donde se gestaron muchas de las innovaciones vanguardistas.

"El adiós" (de Alcoholes, 1913)

En este poema, Apollinaire conmueve con imágenes melancólicas de despedida, al tiempo que rompe con las formas convencionales del verso y la rima. La brevedad de las líneas y la aparente simplicidad ocultan una profunda carga emocional y una sutil dislocación que refleja la fragilidad del momento.

Recogí esta brizna en la nieve
Recuerda aquel otoño
En breve
No nos veremos más
Yo muero
Olor del tiempo brizna leve
Recuerda siempre que te espero

La "brizna en la nieve" es una poderosa metáfora de la memoria efímera, de la fragilidad de lo que se aferra a la vida en un entorno hostil. La brevedad de "En breve / No nos veremos más" no solo acelera el ritmo de la despedida, sino que metafóricamente comprime el dolor en un instante punzante, mientras que el "Olor del tiempo brizna leve" evoca la nostalgia como un aroma casi imperceptible pero persistente.

Caligramas: Poesía para ser Vista

Apollinaire es célebre por sus caligramas, publicados en 1913, donde la disposición tipográfica de las palabras forma una imagen relacionada con el contenido del poema. Esta práctica no solo rompió con la linealidad del texto, sino que estableció una profunda conexión entre la palabra y la imagen, convirtiendo el poema en una metáfora visual de su propio significado. El poema deja de ser solo un conjunto de sonidos y conceptos para convertirse en un objeto artístico en sí mismo.

• "Corazón, corona y espejo" (1913): En este caligrama, las palabras se disponen para formar la silueta de un corazón, una corona y un espejo, elementos que tradicionalmente se asocian con el amor, la realeza y la introspección. La forma visual se convierte en la metáfora principal, comunicando el tema del poema antes incluso de que se lean las palabras.
• "Recién llegado de Dieuze" (1913): Aquí, Apollinaire introduce la escritura musical, con símbolos como el calderón o fermata, que indica una parada expresiva. La integración de elementos no textuales en el poema es una metáfora de la expansión de las posibilidades del lenguaje, que ahora incluye partituras y silencios, invitando a una lectura que va más allá de lo puramente semántico.

Filippo Tomasso Marinetti: La Exaltación del Futurismo y la Velocidad

Filippo Tomasso Marinetti, impulsor del movimiento conocido como futurismo (nacido en 1909), rendía culto a la era de la máquina y buscaba barrer con la civilización del pasado. En términos literarios, esto se expresó en la ruptura de la sintaxis y los signos de puntuación, y en la exaltación del movimiento como fuerza dinamizadora.

"Mar" (1909)

Este poema es una explosión de energía y dinamismo, donde el mar se convierte en una fuerza imparable y destructora, una metáfora de la propia modernidad que el futurismo tanto celebraba.

¡Oh grande, rebelde y feroz mar¡
Mar vengador,
mar como huele incoloro… ¡Anda¡ ¡salta¡
saltar con salto elástico
hasta las nubes, hasta el cenit. ¡… Y luego botar y rebotar, sin cansarte
como una enorme bola¡
¡ Inundar orillas, puertos, muelles, agachados
como búfalos bajos sus retorcidos cuernos de humo¡
… Aplasta, oh mar, las ciudades con sus corredores de catacumbas
y aplasta eternamente a los viles,
los idiotas y los abstemios, y siega, siega
de un solo golpe las espaldas inclinadas de tu cosecha. Machucar los pozos de los millonarios,
tocándolos como tambores,
y lanzar, lanzar, mar vengador,
nuestro cráneos explosivos entre las piernas de los reyes.
Y decid, Vagabundos y bandidos
si no es este el boliche que esperabais.

La ausencia de signos de puntuación busca la velocidad y el vértigo, metafóricamente imitando el rugido de las máquinas y la furia del mar. El mar es comparado con una "enorme bola" o con "búfalos" que aplastan ciudades, utilizando metáforas y símiles violentos que reflejan la agresividad y el poder destructivo que los futuristas admiraban en la modernidad y en la guerra. Los "cráneos explosivos" lanzados entre las piernas de los reyes son una imagen visceralmente metafórica de la revolución social deseada.

Gottfried Benn: La Cruda Visión del Expresionismo

Gottfried Benn, poeta alemán, se inscribe en el movimiento conocido como expresionismo, que se destacó por la expresión de sentimientos de modo crudo e intenso, a menudo a través de formas distorsionadas y de gran fuerza expresiva.

"Hermosa juventud" (de Morgue, 1912)

Este poema es impactante por la forma violenta y desgarradora en que contrapone la juventud y la muerte. La imagen de las ratas en el cuerpo de una chica es una metáfora grotesca y paradójica de la vida que surge de la descomposición, de la belleza efímera que es devorada por la muerte, subvirtiendo la noción tradicional de lo bello.

La boca de una chica que llevaba ya tiempo en un juncal,
parecía roída.
Cuando se le abrió el pecho, el esófago estaba
agujereado.
Por fin, entretejido debajo del diafragma,
un nido apareció con crías de rata.
Una de las pequeñas hermanitas había muerto.
Las otras vivían en base de hígado y riñones,
bebían la sangre fría y habían
pasado allí una hermosa juventud.
Y rápida y hermosa también llegó su muerte:
las tiraron al agua todas juntas.
Sus hociquines, ¡qué gritos daban!

La "hermosa juventud" de las ratas en el cadáver es una metáfora irónica y perturbadora de la indiferencia de la naturaleza ante la tragedia humana, y de cómo la vida persiste incluso en la más macabra de las circunstancias. La inversión de lo esperado, donde la vida florece en la muerte, es una metáfora central del expresionismo.

Vicente Huidobro: El Poeta como Pequeño Dios del Creacionismo

Vicente Huidobro, escritor chileno, fue el padre de una vanguardia literaria llamada creacionismo, que defendía que el poeta no debía imitar la naturaleza, sino crear la suya propia.

"Triángulo armónico" (c. 1913)

Anterior incluso a Apollinaire, Huidobro ya había experimentado con los caligramas. "Triángulo armónico" es uno de sus más conocidos, donde la forma del poema se convierte en una metáfora visual que refuerza su contenido.

"Arte poética" (de El espejo de Agua, 1916)

Este poema es el manifiesto del creacionismo, una declaración de principios sobre el papel del poeta como un ser divino, un inventor de nuevas realidades. La metáfora se eleva aquí a la categoría de dogma.

Que el verso sea como una llave
Que abra mil puertas. Una hoja cae; algo pasa volando;
Cuanto miren los ojos creado sea,
Y el alma del oyente quede temblando. Inventa mundos nuevos y cuida tu palabra;
El adjetivo, cuando no da vida, mata. Estamos en el ciclo de los nervios.
El músculo cuelga,
Como recuerdo, en los museos;
Mas no por eso tenemos menos fuerza:
El vigor verdadero
Reside en la cabeza. Por qué cantáis la rosa, ¡oh Poetas!
Hacedla florecer en el poema ; Sólo para nosotros
Viven todas las cosas bajo el Sol. El Poeta es un pequeño Dios.

La frase "Que el verso sea como una llave / Que abra mil puertas" es una metáfora fundacional del creacionismo, sugiriendo que la poesía tiene el poder de desbloquear infinitas posibilidades y realidades. La idea de "Inventa mundos nuevos" y "Hacedla florecer en el poema" es una metáfora directa del acto creador, donde la palabra no solo representa, sino que literalmente da existencia. La declaración final "El Poeta es un pequeño Dios" es la metáfora culmen, elevando al poeta a la categoría de creador absoluto, capaz de forjar realidades a partir del lenguaje.

Tristan Tzara y Hugo Ball: La Anarquía del Dadaísmo y la Liberación del Sentido

El dadaísmo, liderado por Tristan Tzara, llevó el espíritu de ruptura a su máxima expresión, desafiando la lógica y el propio lenguaje.

"Dudas" (Tristan Tzara)

Este poema juega con los límites entre la verdad y la duda, utilizando asociaciones extrañas de imágenes literarias que buscan expandir la imaginación y romper con las ideas preconcebidas.

He sacado el antiguo sueño de la caja como sacas tú el sombrero
cuando te pones el traje de muchos botones
cuando agarras el conejo por las orejas
cuando regresas de cacería
como eliges la flor de la maleza
y al amigo de entre los cortesanos. Mira lo que me pasó
cuando llegó la noche lentamente como una cucaracha
buena para muchos como remedio, cuando enciendo
en el alma el fuego de los versos
me acosté. El sueño es el jardín preparado para las dudas
no sabes lo que es verdad, lo que no lo es
te parece que es un ladrón y lo fusilas
y después te comunican que ha sido un soldado
así ocurrió conmigo exactamente
por esto te llamé para decirme -sin error
lo que es verdad- lo que no lo es

Las comparaciones iniciales son símiles que establecen un tono de lo cotidiano y lo absurdo, pero la metáfora central aparece en "El sueño es el jardín preparado para las dudas". Aquí, el sueño no es solo un estado, sino un espacio fértil para la incertidumbre, un lugar donde la realidad se disuelve y las certezas se vuelven ambiguas. La anécdota del ladrón/soldado es una metáfora de la confusión y la arbitrariedad de la verdad en un mundo post-lógico.

"Karawane" (Hugo Ball, 1917)

Hugo Ball se arriesgó con la publicación del primer poema fonético, que basa su interés apenas en la sonoridad de los fonemas. Este es el culmen de la ruptura dadaísta con el significado tradicional. Aunque carece de significado literal, "Karawane" es una metáfora de la liberación del lenguaje de sus cadenas semánticas, un grito primario que busca la expresión pura a través del sonido, reflejando el caos y la disolución de valores de la época.

Guillermo de Torre y Jorge Luis Borges: El Breve Pero Intenso Ultraísmo

El ultraísmo fue un movimiento español y rioplatense muy breve, que se destacó por su oposición al modernismo y su especial valoración de la metáfora y la concisión.

"Girándula" (Guillermo de Torre, de Hélices, 1923)

Este caligrama, al igual que los de Apollinaire y Huidobro, utiliza la forma visual de la girándula (una rueda con cohetes) para reflejar su contenido. La forma misma es una metáfora del dinamismo y la explosión de ideas que caracterizaban al ultraísmo.

"Trinchera" (Jorge Luis Borges)

Parte de la etapa ultraísta de Borges, este poema, influenciado también por el expresionismo, transmite la angustia bélica y el fatalismo con imágenes potentes y concentradas.

Angustia.
En lo altísimo una montaña camina.
Hombres color de tierra naufragan en la grieta más baja.
El fatalismo unce las almas de aquéllos
que bañaron su pequeña esperanza en las piletas de la noche.
Las bayonetas sueñan con los entreveros nupciales.
El mundo se ha perdido y los ojos de los muertos lo buscan.
El silencio aúlla en los horizontes hundidos.

Las metáforas se suceden con una intensidad desgarradora: "una montaña camina" evoca un movimiento telúrico y amenazante, mientras que "Hombres color de tierra naufragan" convierte a los soldados en víctimas pasivas de un desastre natural, fusionando su destino con el paisaje de la guerra. "Las bayonetas sueñan con los entreveros nupciales" es una metáfora brutal que yuxtapone la violencia de la guerra con la intimidad sexual, resaltando la perversión de la vida en el campo de batalla. El "silencio aúlla" es una poderosa metáfora de la desolación, una personificación del vacío que grita la desesperación.

César Vallejo: La Existencia en Verso Libre y la Resignificación

El poeta peruano César Vallejo es considerado un innovador por su uso del verso libre y por resignificar símbolos de la cultura occidental, especialmente los religiosos.

"Espergesia" (de Los heraldos negros, 1919)

Este poema expresa un peso existencial y una tristeza profunda, con un verso libre y un ritmo heterogéneo que reflejan la angustia del yo poético. La re-significación de la figura de Dios es una metáfora central de la crisis de fe y sentido en la modernidad.

Yo nací un día
que Dios estuvo enfermo. Todos saben que vivo,
que soy malo; y no saben
del diciembre de ese enero.
Pues yo nací un día
que Dios estuvo enfermo. Hay un vacío
en mi aire metafísico
que nadie ha de palpar:
el claustro de un silencio
que habló a flor de fuego. Yo nací un día
que Dios estuvo enfermo. Hermano, escucha, escucha…
Bueno. Y que no me vaya
sin llevar diciembres,
sin dejar eneros. Pues yo nací un día
que Dios estuvo enfermo. Todos saben que vivo,
que mastico… Y no saben
por qué en mi verso chirrían,
oscuro sinsabor de féretro,
luyidos vientos
desenroscados de la Esfinge
preguntona del Desierto. Todos saben… Y no saben
que la luz es tísica,
y la Sombra gorda…
Y no saben que el Misterio sintetiza…
que él es la joroba
musical y triste que a distancia denuncia
el paso meridiano de las lindes a las Lindes. Yo nací un día
que Dios estuvo enfermo,
grave.

La repetida afirmación "Yo nací un día / que Dios estuvo enfermo" es una profunda metáfora de la condición humana de Vallejo, marcada por una crisis existencial y una sensación de desamparo cósmico. No es que Dios literalmente estuviera enfermo, sino que el mundo en el que nació el poeta carecía de un orden divino o de un sentido trascendente. La "luz es tísica, / y la Sombra gorda" es una metáfora de la inversión de los valores, donde lo que debería ser vital es débil y lo que debería ser marginal es dominante, reflejando la visión pesimista y desilusionada del poeta.

André Breton y Paul Éluard: El Inconsciente al Poder del Surrealismo

André Breton, fundador del surrealismo (Manifiesto de 1924), y Paul Éluard, fueron figuras centrales de este movimiento que exploró el inconsciente y los sueños, aplicando el automatismo como medio de creación. Las imágenes que surgían de este proceso eran, por naturaleza, profundamente metafóricas, ya que conectaban realidades dispares de forma onírica.

"Tus miembros van despegando" (André Breton, de El aire del agua, 1934)

Este poema ofrece imágenes sugestivas y vivaces que despiertan toda clase de asociaciones, características del automatismo surrealista.

Tus miembros van desplegando a tu alrededor unas sábanas verdes
Y el mundo exterior
Hecho de puntos
No funciona ya las praderas han desteñido los días los campanarios se reúnen
Y el Puzzle social
Entregó su última combinación
Todavía esta mañana esas sábanas fueron apartadas hicieron vela contigo de un lecho prismático
En el castillo revuelto del sauce de ojos de lama
Para el cual con la cabeza abajo
Partí en otro tiempo
Sábanas almendra de mi vida
Cuando te vas el cobre de Venus
Inerva la hoja resbaladiza y sin bordes
Tu gran ala líquida
Se agita entre el canto de las vidrieras

Las "sábanas verdes" desplegándose alrededor de los miembros son una metáfora onírica de la disolución de la realidad, un velo que transforma el entorno. El "Puzzle social" que "entregó su última combinación" es una metáfora de la desintegración de las estructuras sociales. El "cobre de Venus" que "inerva la hoja resbaladiza" y la "gran ala líquida" son metáforas complejas que extraen su poder de la yuxtaposición de elementos dispares, creando una atmósfera de misterio y sensualidad propia del surrealismo, donde el inconsciente forja nuevas conexiones.

"Max Ernst" (Paul Éluard)

Dedicado al artista plástico Max Ernst, este poema está cargado de imágenes sugestivas que reflejan la amistad y la influencia mutua entre los artistas surrealistas.

En un rincón el incesto ágil
Gira en torno a la virginidad del vestido corto
En un rincón el cielo liberado
Entrega esferas blancas a las espumas de la tormenta
En un rincón más claro que la totalidad de los ojos
Esperan a los peces de la angustia
En un rincón el carruaje de verdor del verano
Gloriosamente inmóvil para siempre
Al brillo de la juventud
De las lámparas encendidas con retardo
La primera muestra senos que matan a los insectos rojos.

Las imágenes como "el incesto ágil / Gira en torno a la virginidad del vestido corto" o "el cielo liberado / Entrega esferas blancas a las espumas de la tormenta" son ejemplos de la metáfora surrealista en su máxima expresión: asociaciones ilógicas, perturbadoras y oníricas que buscan liberar la mente de las convenciones. Los "peces de la angustia" son una metáfora de los miedos subyacentes que habitan en los rincones del inconsciente.

Nicolás Guillén: La Voz Antillana y el Compromiso Social

El cubano Nicolás Guillén es un insigne representante de la poesía antillana, cuyo estilo personalísimo revistió una novedad en cuanto a estilo. Su poesía fue un acto de rescate de la oralidad de los negros de las Antillas, pero también un posicionamiento político contra el imperialismo.

"Tú no sabe inglé" (de Motivos de son, 1930)

Guillén exhibe su estilo único, utilizando la fonética del habla popular para crear un poema que es a la vez una burla y una defensa cultural. El lenguaje mismo se convierte en una metáfora de la identidad y la resistencia.

Con tanto inglé que tú sabía,
Bito Manué,
con tanto inglé, no sabe ahora
desí ye. La mericana te buca,
y tú le tiene que huí:
tu inglé era de etrái guan,
de etrái guan y guan tu tri. Bito Manué, tú no sabe inglé,
tú no sabe inglé,
tú no sabe inglé. No te namore ma nunca.
Bito Manué,
si no sabe inglé,
si no sabe inglé.

La pronunciación deformada del inglés ("etrái guan", "guan tu tri") no es solo una representación fonética, sino una metáfora de la asimilación cultural fallida y la pérdida de identidad frente a la imposición extranjera. El "inglé" se convierte en una metáfora de la promesa vacía de progreso asociada al imperialismo, y la incapacidad de Bito Manué para hablarlo se convierte en una metáfora de la preservación de la autenticidad cultural frente a la colonización lingüística y social.

Tabla Comparativa de Movimientos Poéticos Vanguardistas y su Uso de la Metáfora

Preguntas Frecuentes sobre la Poesía Vanguardista

¿Cuál fue el objetivo principal de la poesía vanguardista?

El objetivo principal fue romper radicalmente con las formas y temáticas poéticas tradicionales, explorar nuevas posibilidades de expresión, y reflejar la complejidad y las crisis del mundo moderno. Buscaron liberar la palabra y al poeta de las convenciones, invitando a una nueva forma de percibir la realidad y el arte.

¿Cómo se manifiesta la "ruptura" en estos poemas?

La ruptura se manifiesta de múltiples maneras: en el abandono de la rima y la métrica fija (verso libre), en la alteración de la sintaxis y la puntuación, en la experimentación visual (caligramas), en la creación de imágenes y metáforas audaces e inesperadas, en la introducción de temas tabú, y en la exploración del inconsciente y lo irracional.

¿Qué papel jugó la metáfora en la poesía de vanguardia?

La metáfora fue central y adquirió un nuevo protagonismo. Dejó de ser un mero recurso estilístico para convertirse en un motor de creación de nuevas realidades. Los poetas vanguardistas la utilizaron para establecer conexiones insólitas entre conceptos, para crear imágenes impactantes y disruptivas, y para expresar lo inexpresable, trascendiendo el significado literal y expandiendo la capacidad simbólica del lenguaje. A menudo, la estructura o la forma del poema en sí misma se convertía en una metáfora de su mensaje o del espíritu del movimiento.

¿Qué movimientos vanguardistas son más relevantes en poesía?

Aunque muchos movimientos tuvieron manifestaciones poéticas, los más influyentes y representativos en poesía incluyen el Futurismo, el Expresionismo, el Cubismo (especialmente a través de los caligramas), el Dadaísmo, el Creacionismo, el Ultraísmo y el Surrealismo. Cada uno aportó innovaciones distintivas a la forma y el contenido poético.

¿Por qué es importante estudiar la poesía vanguardista hoy?

Estudiar la poesía vanguardista es fundamental porque marcó un punto de inflexión en la historia de la literatura. Su legado de experimentación y libertad creativa sigue influyendo en la poesía contemporánea. Nos enseña a cuestionar las normas, a buscar nuevas formas de expresión y a comprender cómo el lenguaje puede ser una herramienta poderosa no solo para describir el mundo, sino para reconfigurarlo y reinventarlo, invitándonos a una lectura más activa y una comprensión más profunda de la capacidad transformadora del arte.

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